Sérénades / 5 – British pastoral

Herbert Arnould Olivier – 1902

– Sérénade pour orchestre à cordes en mi mineur, op. 20 –

En témoigne ce portrait du grand musicien anglais, ce n’est pas avec le compositeur de la maturité, reconnu et anobli , père des grandes symphonies, des « Variations Enigma » ou du célébrissime « Pump and circumstances » que le rendez-vous est pris.

Edward Elgar 1857 – 1934

C’est plutôt avec le jeune compositeur de 35 ans qui a quitté depuis une dizaine d’années le cabinet d’avocat qui l’employait pour se consacrer à sa passion, la musique, et qui, pour la première fois, admet qu’une de ses compositions est digne d’intérêt : sa « Sérénade pour cordes ».
Bien que datée de 1892, la partition de cette très attachante pièce pour ensemble à cordes, cette perle musicale, regroupe en réalité et unifie quelques miniatures diverses écrites plusieurs années auparavant. Ce n’est qu’à l’été 1896 que sera donnée, en Belgique, une exécution publique de l’œuvre définitive.

Ni sa durée modeste, largement plus réduite (une douzaine de minutes au lieu de trente) que celles, références du genre, de Dvorák (1880) ou Tchaïkovski (1876), ni le caractère plus intime que celui de ses illustres aînées, n’auront privé cette « Sérénade » de la place éminente qu’elle occupe aujourd’hui, bien légitimement, dans ce répertoire.

Elle s’inscrit naturellement dans la tradition des cordes anglaises – natif de Worcester, Elgar était violoniste.
En filigrane du doucereux paysage crépusculaire qu’elle suggère, son écriture fluide et raffinée affiche cependant, à travers un discret mais indéniable lyrisme, l’expression d’une profonde sensibilité personnelle partagée entre fraîcheur et maturité.
Derrière l’élégance pastorale « very british » de cette sérénade, une pointe de mélancolie, dernier salut au romantisme.
Autant de délicatesses que tissent et transmettent fidèlement par leur interprétation les musiciens de l’excellent

Norwegian Chamber Orchestra

– Sérénade pour orchestre à cordes en mi mineur – op. 20 –
Edward Elgar

Trois mouvements :

I/ Allegro piacevole (mi mineur) :

Ce premier mouvement, ouvert par quelques motifs sautés aux altos, lance une mélodie printanière, dansante malgré le soupçon de nostalgie qu'elle infuse. Elgar l'utilisera comme fil conducteur de la "Sérénade". 

II/ Larghetto (ut majeur) :

Poignante et sensuelle, la mélodie libère un noble élan lyrique que soutiennent les harmonies chaudes qui se développent en vagues amples à travers ce mouvement. Une préfiguration de la profondeur des épanouissements symphoniques qui feront les belles heures des œuvres à venir.  

III/ Allegretto (mi mineur / mi majeur) :

Retour à l'atmosphère légère et souriante du début. Le thème initial également revient chanter son humeur printanière. La pièce s'éteint dans l'apaisement final d'un profond pianissimo choral.

Sérénades / 4 – ‘ À table ! ‘

« À table ! » C’est la triviale invitation qu’aurait pu nous lancer Léonard Bernstein en 1954 pour nous convier avec humour à la première d’une de ses œuvres les plus lyriques. Dramatique et philosophique, certes, mais des plus lyriques :
« Sérénade pour violon, orchestre à cordes, harpe et percussions ».

Cette pièce est en effet directement structurée autour d’un diner particulier, autour de la table d’un Banquet célèbre – ô combien ! -, celui imaginé par Platon dans les années 380 avant JC, afin de réunir dans ses pages, la fine fleur des penseurs, poètes et philosophes athéniens.

Léonard Bernstein (1918-1990)

Platon (428 av JC – 348 av JC)

Car c’est bien ce célébrissime Συμπόσιον (Sumpósion) du maître de la philosophie grecque, ce fameux « Banquet de Platon », qu’a musicalement reconstitué notre génial compositeur à travers cette pièce concertante qui confie au violon solo le rôle central. Celui de porter la voix des commensaux philosophes choisis pour leur belle aptitude au débat.

Ainsi apparaissent au milieu de la scène sonore, à tour de rôle sous leur représentation musicale, les célèbres orateurs chargés de discourir sur la très sérieuse question de l’Amour. Éros, l’amour, le désir, telle est la thématique que Platon a décidé de soumettre à ces rhéteurs. 
Le violon virtuose, soutenu par les instruments d’un orchestre resserré, se charge de brosser le portrait musical de chaque intervenant. Traduisant en accords et harmonies les savants monologues ; il rend à qui de droit, d’un glissando, d’un mosso ou autre sforzando, sa faconde, ses dithyrambes et ses arguties.

La musique est aussi, pour l’harmonie et le rythme, une science des mouvements amoureux.

Platon – Le Banquet (le médecin Eryximaque)

« Sérénade pour violon, orchestre à cordes, harpe et percussions »
Midori (violon)
Orchestre Symphonique de la ‘Westdeutscher Rundfunk‘
Constantinos Carydis (Direction) 

Cinq mouvements :

I/ Phèdre - Pausanias (Lento - Allegro) : 

- Phèdre ouvre le banquet par un doux éloge d’Éros : le violon expose un thème lyrique, bientôt développé en forme de fugue. 

- Pausanias se refuse à considérer l'aspect univoque de l'amour ; il le voit comme il le pratique, multiple et multiforme et son affirmation prend l'allure d'un allegro énergique. 

II/ Aristophane (Allegretto) :

Avec la douceur du conteur, le poète déclare à travers la légèreté de la mélodie que l'amour n'est que recherche de sa moitié perdue... peut-être la quête de soi.

III/ Eryximaque (Presto) :

Dans un scherzo bref et scintillant le médecin assène sa science : l'amour universel !

IV/ Agathon (Adagio) :

Noble, lyrique et solennel, pour célébrer, selon son affirmation, "le plus beau des Dieux" : l'Amour, un grand adagio dominé par l'émotion.

V/ Socrate - Alcibiade (Molto tenuto - Allegro molto vivace) :

- A travers un adagio profond et méditatif qui se veut représenter la réflexion dialectique qui lui est chère, Socrate cherche à nous faire admettre que l'Amour est un chemin vers le Beau.

- Mais voilà qu'annoncé par quelques soudaines percussions surgit énergiquement un jeune aristocrate athénien un peu éméché, Alcibiade, interrompant le débat. Il décide de faire l'éloge de Socrate plutôt que de discourir sur le thème de l'Amour. Le symposium en restera là laissant l'assemblée se consacrer à une gaité très expressive... et offrant à Bernstein une nouvelle occasion de retrouver son amour pour le jazz...

Certains ont perçu la Sérénade comme un autoportrait musical de Bernstein, noble et espiègle en même temps, à la fois romantique, profondément, et moderne, indéniablement.
Cette œuvre, il est vrai, au travers de sa grande élégance mélodique, illustre fort justement l’art du Maître et son habileté à tisser un lien magique entre l’héritage classique européen des Mahler ou Stravinsky, par exemple, et l’énergie des nouvelles musiques américaines flirtant de bonne grâce avec le jazz.

Sérénades / 3 – Radieuse !

Erik Henningsen – Balade à bicyclette du matin (1907)

‘Radieuse’ !
Sans doute, s’il fallait n’en choisir qu’un, l’adjectif que l’on retiendrait instinctivement pour qualifier la « Sérénade pour cordes en mi bémol majeur, op. 6 » que composa le jeune et brillant élève de Dvorák, Josef Suk, en 1892.
Radieuse, comme la jeunesse pragoise de ce violoniste-compositeur prodige de 18 ans qui, cherchant à mettre ses pas dans les pas de son maître, sut trouver d’emblée un compromis convaincant entre maîtrise formelle et spontanéité expressive.
Radieuse, pour saluer à la fois la clarté mélodique de l’œuvre, sa chaleur expressive et cette énergie vitale, « solaire », qui émane de chaque mouvement.

Mais on aurait tout aussi volontiers pu choisir ‘printanière’ pour souligner la fraicheur qui parcourt la partition ; ‘aérienne’, en hommage à la sereine légèreté de l’écriture pour cordes ; ‘lumineuse’, pour illustrer la texture sonore transparente et chaleureuse du style de Suk.

Josef Suk – 1874-1935

– On rapporte que Dvorák lui-même aurait accueilli la pièce avec admiration, remarque d’autant plus notable que le jeune Suk n’avait pas caché avoir pris pour modèle la déjà très appréciée Sérénade pour cordes op. 22 écrite en 1875 par son illustre aîné, son maître et bientôt futur beau-père.

Enfin, et ce n’est pas le moindre de ses succès, la Sérénade Opus 6, lors de sa publication en 1895, aura reçu le prestigieux parrainage de Johannes Brahms, lui-même. Référence des plus précieuses, n’est-ce pas, pour une entrée dans la carrière !

◊

Sérénade pour cordes en mi bémol majeur, op. 6

New York Classical Players
Dongmin Kim, direction

1. Andante con moto
2. Allegro ma non troppo e grazioso
3. Adagio
4. Allegro giocoso, ma non troppo presto

Sérénades / 2 – ‘Italienne’

Carl Spitzweg – 1896

Hugo Wolf 1860-1903 *

* C’est à l’heureuse découverte que je fis récemment de la « Sérénade italienne » d’Hugo Wolf que cette nouvelle série de billets doit son existence.

« Légèreté », « frivolité », « humour », faudrait-il qu’il soit particulièrement imaginatif, ou profondément inspiré, l’observateur qui, devant l’air sévère et le regard tendu qu’arbore Hugo Wolf sur ce portrait, emploierait pareils qualificatifs à son égard.
Sachant, qui plus est, que le compositeur a laissé à sa postérité à travers le délicat genre du lied – qu’il traitait avec la rigueur exigée pour une partition symphonique -, l’image, juste, d’un explorateur de l’intime, ayant mis en musique – et avec quel talent, à l’égal des Schumann, Schubert et autres Brahms – les œuvres des plus grands poètes allemands tels que Goethe ou Eichendorff.
Rien, au demeurant, de nature à laisser supposer un esprit porté à la gaudriole, n’est-ce pas ?

Et pourtant, qu’on écoute sa « Sérénade italienne » en Sol majeur composée en 1887, en un seul mouvement pour quatuor à cordes, ou sa version ultérieure de 1892 pour petit ensemble à cordes, et, le regard pétillant de plaisir, nous n’aurons aucun mal, pour évoquer ce grand musicien, à fleurir notre vocabulaire de ces heureux épithètes.

Quatuor Balourdet :

Version 1887 pour quatuor à cordes

Avec une belle énergie ces jeunes musiciens – servis par une généreuse prise de son – expriment fidèlement la complicité entre les pupitres voulue originellement par Hugo Wolf pour ce rondo libre et leste. Leur vitalité accompagne volontiers les bondissements et les espiègleries du thème principal pendant que leur sensibilité commune porte loin vers la péninsule le lyrisme de la mélodie.

Ça chante !

.. // ..

Norwegian Chamber Orchestra sous la direction de Francis Leleux

Version 1892 pour petit ensemble à cordes

Si cette orchestration émousse peut-être les pointes d’humour et d’espièglerie de la version originale, la rondeur particulière de ton que propose le collège d’instruments confère à cette Sérénade un lustre tout à la fois plus festif et plus « solennel ». L’esprit « de chambre » demeure toutefois conservant à cette pièce tout son charme solaire, « italien ».

Ça chante encore !

Le paradoxe :

Hugo Wolf écrit cette œuvre alors qu’il n’a jamais encore visité l’Italie. Comme Tchaïkovski écrivant son Capriccio italien, l’italianité de Wolf n’est pas issue d’une expérience directe, mais de l’imagination et des livres. Partant, certains traits ironiques, parfois trop bondissants, de cette « Sérénade » pourraient sembler outrés, voire factices, mais la sincère affection et la jubilation que Wolf exprime également dans les deux versions de son œuvre devraient l’absoudre de toute velléité irrespectueuse.

Sérénades / Avant-propos

Une suite à la série de billets estivaux

« Musiques à l’ombre »

Depuis quelques années, et chaque été, « De Braises et d’Ombre » publie une série de billets musicaux, sous le titre générique « Musiques à l’ombre », librement sélectionnés à travers deux ou trois objectifs simples : durée modérée des œuvres (30 minutes environ), jeunesse de la thématique, des compositeurs ou des interprètes et, surtout, humeur du rédacteur.

Jan Steen – Sérénade – 1675

Cet été, conservant ses objectifs originels, toute la série sera consacrée à la Sérénade. Manière de brosser, pour le plaisir et sans prétention musicologique aucune, un portrait musical de ce genre difficilement saisissable, trop souvent limité à sa simple image légendaire d’une déclaration galante chantée le soir sous un balcon.

Loin de cette image traditionnelle du Moyen-Âge ou de la Renaissance, ce genre musical n’a cessé de se métamorphoser. Il a évolué des ensembles de chambre vers les grandes structures symphoniques du XIXème siècle, pour finir par épouser les langages musicaux complexes du XXème. Ces mouvements stylistiques, depuis Monteverdi ou Schütz jusqu’à Takemitsu ou Lutoslawski, en passant par Brahms ou Tchaïkovski, ont nécessairement porté la signature des maîtres du XVIIIème siècle tels que Scarlatti, Haendel ou Vivaldi, mais c’est à travers les chefs-d’œuvre de Mozart – la « Petite Musique de nuit » et la monumentale « Sérénade Gran Partita » pour 13 instruments à vent – qu’ils auront atteint au siècle des Lumières leur point culminant.

Au fil des époques le terme a recouvert des formes, des fonctions sociales et des effectifs instrumentaux très divers. Ce qui les relie n’est pas tant une structure formelle fixe qu’une intention : celle d’une musique destinée à être offerte, jouée en plein air ou dans un cadre intime, souvent légère dans le ton mais pas nécessairement dans l’ambition.

Alors, en guise d’offrande musicale pour cet été 2026, en pleine liberté éditoriale, sans plan chronologique ni motivation historique, quelques SÉRÉNADES parmi la multitude d’œuvres du genre, selon l’humeur des jours et pour le seul plaisir de la musique… à l’ombre.

🎼

Sérénades / 1 – Toselli

Enrico Toselli 1883 – 1926

Pour cette mise en bouche, une pièce emblématique du répertoire de salon du XXème siècle : « Serenata Op.6 N°1 » (« Rimpianto ») composée en 1900 par un jeune florentin de 17 ans, pianiste et compositeur prodige, Enrico Toselli.

Fidèle représentation du romantisme tardif italien, elle a très vite rassemblé un large public international autour de la mélancolie douce-amère qu’elle exprime. Les transcriptions pour divers instruments n’ont pas manqué, à leur tour, de saluer ce succès.

Joyce DiDonato (soprano) – « Serenata »

Come un sogno d'or
Scolpito è nel core
Il ricordo ancor' di quell'amor
Che non esiste più

Fu la sua vision
Qual dolce sorriso
Che più lieta fa, col suo brillar
La nostra gioventù

Ma fu molto breve in me
La dolcezza di quel ben
Svani quel bel sogno d'or
Lasciando in me il dolor

Cupo è l'avvenir sempre più tristi I di
La gioventù passata sarà
Rimpiantomi resta sol
Sì rimpianto amaro e duol' nel cor!

Oh raggio di sole
Sul mio cammino
Ahimè non brilli più!
Mai più, mai più

Bien que la composition ait précédé l’épisode passionné et scandaleux qui a marqué la vie de Toselli, l’histoire a choisi de conserver un lien étroit entre l’œuvre et la vie du compositeur.

En 1907, Toselli épouse la princesse Louise de Toscane, ex-archiduchesse d’Autriche et ex-princesse de Saxe, qui avait quitté son royal époux pour lui. Ce mariage, qui fit couler beaucoup d’encre dans toute l’Europe, ne dura que quelques années et finit en 1912 par un divorce très médiatisé.
Le rapprochement anachronique entre le « rimpianto » (les regrets) – titre secondaire de la mélodie – et la tristesse inspirée par les déboires sentimentaux de Toselli scellait le mythe.

La mélodie n’a jamais cessé, à travers le temps, de séduire interprètes et publics.

Alfredo Kraus (ténor) – « Serenata »

Comme un rêve d'or
Il est gravé dans mon cœur
Le souvenir encore de cet amour
Qui n'existe plus

C'était sa vision
Quel doux sourire
Qui, de son éclat, rendait plus joyeuse
Notre jeunesse

Mais il fut bien bref en moi
La douceur de ce bonheur
Ce beau rêve d’or évanoui
Me laissant la douleur

L’avenir est sombre, les jours de plus en plus tristes
La jeunesse passée ne sera plus
Il ne me reste que le regret
Oui, un regret amer et une douleur dans le cœur !

Ô rayon de soleil
Sur mon chemin
Hélas, tu ne brilles plus !
Jamais plus, jamais plus

Et, sur des paroles françaises de Pierre D’Amor,
souvenir ému de nos aînés :

Tino Rossi – « Sérénade de Toselli »

‘ L’ouvrage des jours ‘

Le beau c’est la splendeur du vrai. (Platon)

Claude Monet – Les Nymphéas

Le 2 juin dernier, Barbara Auzou publiait sur son blog, ‘Lire dit-elle’, cette petite miniature poétique, « L’ouvrage des jours ». Après m’en être délecté une bonne dizaine de fois jusqu’à « m’approprier » ce poème, je finissais par lui adresser ce commentaire tout à la fois badin et sincère :

S’il te plaît, Barbara, dis que ces mots sont de moi ! Plaisanterie ! j’aimerais tellement les avoir écrits… Mais, les dire, ça je le pourrais… Avec ton accord je le ferai sans doute bientôt.

Alors avec son accord (pour le plaisir, une fois de plus)…

‘ L’ouvrage des jours ‘

L’ouvrage des jours  

écoute

écoute la vie

le saut silencieux de sa sauvagerie

quand bien même le lierre cruel de son intransigeance

le grand désordre dans ce qu’il reste d’enfance

écoute 

écoute la vie

la vérité a le temps

et le temps donne du prix aux choses

on met ce que l’on veut dedans

une mémoire un poème des brassées de roses

des heures d’ensoleillement encore

et c’est à peine si on entend les rumeurs d’un monde

mort

grincer des dents sur son moyeu

écoute

écoute la vie

la peau fait le cœur 

et je t’en couvre pour accueillir le jour

dans le linge fin de la plus grande lumière

La beauté : Points de vue

Est beau tout ce qui s’éloigne de nous, après nous avoir frôlés.

On ne quitte jamais vraiment les douceurs de l’enfance quand on lit Christian Bobin. C’est donc bien à nous qu’il s’adresse quand il prétend destiner à un enfant sa vision poétique de la beauté.
Nous nous en réjouissons. 

Christian Bobin (« Le huitième jour de la semaine » - extrait)

À l'enfant qui me demanderait ce que c'est que la beauté - et ce ne pourrait être qu'un enfant, car cet âge seul a le désir de l'éclair et l'inquiétude de l'essentiel - je répondrais ceci : est beau tout ce qui s'éloigne de nous, après nous avoir frôlés.

Est beau le déséquilibre profond - le manque d'aplomb et de voix - que cause en nous ce léger heurt d'une aile blanche.

La beauté est l'ensemble de ces choses qui nous traversent et nous ignorent, aggravant soudain la légèreté de vivre.

Je lui montrerais le ciel où les anges, en s'essuyant les mains dans un nuage, donnent une peinture de Turner, et je prendrais pour lui une poignée de cette terre, sur laquelle nous allons.

Je lui dirais qu'un livre c'est comme une chanson, que ce n'est rien, que c'est pour dire tout ce qu'on ne sait pas dire, et je couperais pour lui une orange.

La promenade se poursuivrait loin dans le soir. Dans le silence, nous découvririons enfin, lui et moi, la réponse à sa question.

Dans l'immensité lumineuse d'un silence que les mots effleurent sans le troubler.

.. // ..

La beauté est fille de l’horrible.

En écho à ces quelques phrases, un point de vue, plus prosaïque certes mais pas moins sincère, le mien, exceptionnellement… et sans prétention. Je veux croire que Christian Bobin depuis le royaume des anges, dans sa légendaire générosité, ne me fera pas reproche de mon audace.

Enfant, la beauté est fille de l’horrible, lui dirais-je.

Elle est la langue râpeuse de la jument épuisée lapant la gangue de vie gluante sur le corps fragile du poulain nouveau-né ;
Elle est le flux bouillant du sang de la montagne déchirée par ses propres colères ;
Le rose rayon échappé des menaces du nuage, narcisse crépusculaire cherchant son éphémère et vain reflet dans la moire glacée d’un rivage.
L’arbre solitaire trônant sur son désert.

Elle est « Le Bateau Ivre » ; le cri d’effroi du rocher sous la lame ; sous le fil du burin la pommette résignée d’une madone de pierre ; le petit caillou blanc, cristal endeuillé d’une larme sur le rebord lépreux d’un tombeau.

Beau le lointain soupir aux frontières délabrées d’un souvenir. Belle l’innocence offerte en sacrifice à la promesse.

« Dans cette même immensité lumineuse d'un même silence que les mots effleurent sans le troubler », nous comprendrons, lui et moi, l’urgence de vivre. 

                                               Lelius 06/2026

Pleurs d’étoile*

L’homme est un être essentiellement paradoxal. C’est quand il ressent le plus cruellement sa fragilité qu’il est grand.

André Frossard

« Fragile »

Poignante méditation sur la vulnérabilité de la condition humaine en forme de ballade acoustique composée par Sting en 1987.
Toutes ces années n’ont en rien émoussé son charme, ni l’émotion qu’elle provoque.

Fragile

If blood will flow when flesh and steel are one
Drying in the colour of the evening sun
Tomorrow's rain will wash the stains away
But something in our minds will always stay
Perhaps this final act was meant
To clinch a lifetime's argument
That nothing comes from violence and nothing ever could
For all those born beneath an angry star
Lest we forget how fragile we are

On and on the rain will fall
Like tears from a star, like tears from a star
On and on the rain will say
How fragile we are, how fragile we are

On and on the rain will fall
Like tears from a star, like tears from a star
On and on the rain will say
How fragile we are, how fragile we are
How fragile we are, how fragile we are

Émotion plus grande encore dans cette version interprétée par Stevie Wonder :

Fragile

Si le sang doit couler lorsque la chair rencontre le métal,
Et qu’il sèche sous la rousseur du soleil couchant,
La pluie de demain en effacera peut‑être les traces,
Mais quelque chose, dans nos esprits, à jamais demeurera.

Peut‑être ce dernier geste voulait-il mettre un terme
À une dispute qui durait depuis toute une vie ?
Pour montrer que rien ne naît de la violence,
Et que rien de bon ne pourra jamais en surgir.
Pour tous ceux nés sous une étoile en colère,
Souvenons-nous de notre fragilité.

Et la pluie tombera encore, encore,
Comme des larmes tombées d’une étoile.
Et la pluie répétera sans fin
Combien nous sommes fragiles, combien nous sommes fragiles.

Encore et encore, la pluie retombera,
Comme des pleurs venus du ciel.
Et la pluie redira, inlassable,
Notre fragilité, notre infinie fragilité.

* Note personnelle :
Les étoiles pleurent, quoi de plus naturel ? Moi aussi… Pourquoi pas ?

Fulgurances – LVIII – ‘Au soleil’

Georges de La Tour : Souffleur à la pipe – 1646

Au soleil

Il ne s’agit pas d’être le feu, mais de se faire un peu de feu
Quand on a froid et que l’humide veut régner sur nous peu à peu,
II ne s’agit pas d’aller toujours sur une grand-route prévue
Mais de pouvoir flâner un peu comme fait même l’âne qui broute,
II ne  s’agit pas  d’être partout mais de choisir un petit coin,
Appelez-le arbre, maison ou femme ou bien morceau de pain,
Un jour je t’expliquerai ce que sont le ciel, les étoiles
Et ce que tu es toi-même, avec ton or innocent,
Je te ferai quelques croquis sur le tableau noir de la nuit,
Mais si tu veux y voir clair, il faut venir tous feux éteints.

Jules Supervielle 1884-1960

in ‘Le Corps tragique ‘ (1959)

Elle viendra – 26 – Et le chat ?…

L’humour et la mort se marient si parfaitement que la poésie, en les bénissant, fait une révérence sublime à l’absurde.

Chez la célèbre lauréate du Prix Nobel de Littérature 1996, cette politesse singulière n’est jamais une dérision pour le simple attrait d’un sourire, mais une forme élégante de lucidité salvatrice offerte à chacun.
Ainsi dans son œuvre poétique gravité et légèreté se rejoignent-elles pour saluer l’indiscutable évidence avec autant d’émerveillement que d’ironie.

Wislawa Szymborska
(Pologne 1923-2012)

« Un chat dans un appartement vide »
poème extrait du recueil « Fin et début » paru en 1993

Un chat dans un appartement vide 

Mourir. Il ne faut pas faire cela à un chat.
Que peut-il faire dans un appartement vide ?
Grimper aux murs ?
Se frotter contre les meubles ?

Apparemment rien n’a changé 
et pourtant rien n’est pareil.
Rien n’a été déplacé
et pourtant rien n’est en place.
Et le soir, pas de lampe allumée.

Un bruit de pas dans l’escalier
mais ce n’est pas le bon.
Une main met le poisson dans l’assiette
mais ce n’est pas la bonne.

Quelque chose ne commence pas 
à l’heure habituelle,
quelque chose ne se passe pas
comme cela devrait.
Quelqu’un était là depuis toujours
et soudain n’est plus
s’obstinant à rester disparu.

On a fureté dans les armoires
fouillé les étagères
on s’est faufilé sous le tapis pour vérifier.
On a même bravé l’interdit en allant au bureau
et en mettant les papiers en désordre 

Que faire maintenant ?
Dormir et attendre.

Attendre qu’il revienne 
s’il ose.
Et lui faire savoir qu’on ne fait pas ça à un chat. 

On avancera vers lui
l’air détaché, un peu hautain
en faisant semblant de ne pas le voir.
On marchera très lentement
la patte boudeuse
et surtout, pas un bond, pas un ronron, 
du moins au début. 

                Wislawa Szymborska in "Fin et début" (1993)

.. // ..

Jalousie bien légitime, la musique tenait d’autant plus à prendre sa part de cet humour félin que disparaissait il y a quelques semaines à peine la plus délicieuse et la plus française des chanteuses britanniques, Dame Felicity Lott.

Elle miaule ici, aux ‘BBC Prom’s 1996’, en compagnie de la soprano canadienne Ann Murray, l’inoubliable « Duo des chats » de Gioacchino Rossini.

Un moment exceptionnel où le talent, l’humour et l’enthousiasme font un joli pied-de-nez à la grande faucheuse…

Grande bellezza ! « Intermezzo »

Ce poignant « Intermezzo » qui sert de transition musicale entre l’acte II et l’acte III de « Manon Lescaut », célèbre opéra de Giacomo Puccini, n’est pas seulement un simple élément technique de passage d’une situation théâtrale à une autre. Il constitue aussi, assurément, une pièce maitresse de la narration dramatique :

Manon vient d’être arrêtée par les soldats de Géronte pour vol et prostitution. Elle est promise à la peine prévue pour de tels délits, la déportation vers l’Amérique. Cet intermède orchestral va combler la vacance temporaire de l’action en exprimant les sentiments contradictoires du Chevalier Des Grieux partagé entre le désespoir et la détermination. Même le déshonneur subi ne le fera pas renoncer à sauver son aimée par tous les moyens. Tous les états d’âme du malheureux amants vont ici trouver leur écho dans la musique du génial Puccini.
– Le maestro avait d’ailleurs laissé une note d’interprétation pour que la musique exprime pleinement la douleur du jeune homme, souhaitant comme à son habitude que s’épousent dans un même élan harmonique mélodie expressive et tension dramatique.

Grande la beauté ! Intense l’émotion !

Giacomo Puccini (1858-1924)
« Manon Lescaut » (opéra – 1893)
« Intermezzo »
Danish National Symphony Orchestra
Direction : Anja Bihlmaier

Des fleurs sur le Camino Real…

Galanterie, quotidien rural et touche d’humour malicieux dans les symboliques de cette chanson traditionnelle des plaines de Colombie et du Venezuela.

« Semer des fleurs » le long du Camino Real (route coloniale qui reliait les grandes villes) est une métaphore romantique : témoignage de son dévouement et de sa patience, l’amoureux prépare le terrain, embellit la route pour courtiser l’aimée.

Figure de style de la poésie espagnole, la bague flotte sur le doigt certes, mais l’union qu’elle représente serre le cœur jusqu’à l’étouffement tant est fort le lien d’amour. Etc…

Chanson de fête et de parade nuptiale qui célèbre l’amour comme un voyage (le chemin), une danse (la liberté de mouvement) et un labeur quotidien, le tout avec la légèreté et la poésie simple des Llaneros de ces régions.

Luciana Mancini & Vincenzo Capezzuto
« Yo vengo regando flores »
L’Arpeggiata
Christina Pluhar

Je viens épandre des fleurs

Je viens épandre des fleurs, je viens épandre des fleurs le long du 'Camino Real'
Offre-moi ton amour et je viendrai te chercher. 

Ils s'en vont, ils s'en vont, mes petits yeux noirs, 
Ils s'en vont, ils s'en vont, je pars moi aussi avec eux 

- Je viens épandre des fleurs, etc. 

La bague que tu m'as donnée le matin du Seigneur, 
Elle est trop grande à mon doigt, mais bien serrée dans mon cœur. 

- Je viens épandre les fleurs, etc. 

Celui qui vole un pilon et une meule 
On ne peut pas l'appeler voleur, mais plutôt beau gaillard, fort en bras 

- Je viens épandre les fleurs, etc. 

Lâche-la pour qu’elle se défende, 
Lâche-la, elle danse toute seule. 

Je vais la lâcher, je vais la lâcher, 
Pour voir si ma noire sait danser. 

- Je viens épandre des fleurs, etc. 

Au fond de la mer, tu as jeté mon cœur, 
Aide-moi à le chercher, car je meurs d’amour pour toi. 

Aide-moi mon petit amour, aide-moi s’il te plaît 
Aide-moi à le retrouver, car je meurs d’amour pour toi. 

Petite guitare, petite guitare, tu as une bouche pour parler 
Il ne te manque plus que des yeux pour pleurer avec moi. 

Aide-moi mon petit amour, aide-moi s’il te plaît 
Aide-moi à le retrouver, car je meurs d’amour pour toi. 

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Yo vengo regando flores 

Yo vengo regando flores por todo el Camino Real, 
Regálame tus amores para venirte a buscar. 

Se van, se van, se van, se van, mis ojitos negros, 
Se van, se van, se van, yo también me voy con ellos 

Yo vengo regando flores, etc. 

La sortija que me diste la mañana del Señor, 
Floja me quedo en el dedo y apretada en el amor. 

Yo vengo regando flores, etc. 

El que se roba un pilón y una piedra de amolar 
No se pué llamar ladrón sino guapo pa' cargar 

Yo vengo regando flores, etc. 

Suéltala pa' que se defienda, 
Suéltala que ella baila sola. 

La voy a soltar, la voy a soltar, 
Pa' ver si mi negra ya sabe bailar. 

Yo vengo regando flores, etc. 

Alla en el fondo del mar tiraste mi corazón, 
Ayudámelo a buscar que por ti muero de amor. 

Ayudame mi amorcito, ayudame por favor 
Avudámelo a buscar que por ti muero de amor. 

Guitarrita, guitarrita tienes boca para hablar 
Los ojos no más te faltan para conmigo llorar. 

Ayudame mi amorcito, ayudame por favor 
Ayudámelo a buscar que por ti muero de amor. 

Suéltala na' que se defienda 
Suéltala que ella baila sola. 

La voy a soltar, la voy a soltar, 
Pa' ver si mi negra va sabe bailar. 

Yo vengo regando flores, etc.

‘ Le cultivateur ‘

Jean-François Millet – Le semeur (1865)

Une interprétation et une illustration très personnelles de ce poème d’Yvan Goll :

‘ Le cultivateur ‘

Dans le contexte de la fin des années 1930 marqué par la montée des totalitarismes et l’angoisse d’une catastrophe imminente, l’image du cultivateur, traditionnellement symbole de vie et de fertilité, est détournée par la sensibilité prophétique du poète.
Prémonition, le poème – comme le recueil qui le contient – annonce déjà la moisson de mort que le siècle ne va pas tarder à récolter.

Le cultivateur 

J’ai planté des comètes
Et semé la graine d’étoiles
Dans les champs vierges

J’ai bâti ma maison d’aérolithes
Et regardé par la lucarne
Tourner le monde autour de moi

J’ai bu le vin tonique de midi
Et rôti sur les branches du bouleau
Les fines alouettes
Assaisonnées aux cœurs d’œillets
Les prairies rendaient l’âme
Les pivoines pâmées éparpillaient leur sang
La rose des vents s’effeuillait
Les truites roses captivées se suicidaient

J’ai longtemps attendu le plus grand jour
Où la moisson des astres
M’élèverait au rang des dieux

Mais déjà durcissent mes mains
Mes yeux se vident
Mes dents pourrissent
La terre tourne en moulant sa poussière


                               in « Métro de la mort » - 1936

Hôtel des voyageurs

Edward Hopper – Hotel lobby (1943)
Hôtel des voyageurs  

Hôtel des voyageurs
La fenêtre ouvre sur le ciel
Bleu soleil,
renversant
On y lit le vertige, et la fascination
des blancs bateaux glissant dans la lumière

Dedans est l’espace du cœur,
l’intime centre de la vie,
peut-être le bonheur
Nous habitons cette chambre furtive,
lieu d’étreintes sans lendemains

Dehors est l’inconnu
L’amour est dérisoire, face à la mer,
souveraine et brutale
avec tous ses pillards
Elle entre en toi,
te déchiquette
La mer,
pourvoyeuse de désespoir

La chambre rétrécit
L’espace du recueillement s’étiole
Jusqu’au petit matin
nous serons sans mémoire
L’amour est illusoire

Hôtel des voyageurs
De quel voyage sommes-nous ?

Quelle aventure ?
Mésaventure ?
Nos caresses n’empêchent pas l’obscur
qui gagne peu à peu

Je voudrais habiter l’univers,
abolir le dedans, le dehors,
rire aux étoiles
et trouver le point d’orgue

Je n’ai que cette chambre
Hôtel des voyageurs

Colette Gibelin

Valentine

Il suffit de quelques secondes à une mélodie pour brosser sur nos paupières closes un tableau qu’inaptes au dessin nous serions en train de peindre et faire défiler dans notre imaginaire les souvenirs d’une histoire, pas tout à fait la nôtre. Telle est sa magie.

Celui qui chante va de la joie à la mélodie, celui qui entend, de la mélodie à la joie.

Rabindranàth Tagore — À quatre voix

– La mélodie : « Valentine »

Fred Hersch (compositeur et pianiste américain)

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Une note n’a pas de patrie. Une mélodie n’est que la clé qui ouvre la porte des songes, en tous dialectes.

René Bazin – Récits de la plaine et de la montagne

– Les paroles : « A wish »
de Norma Winstone (chanteuse et parolière américaine)

Voix : Kurt Elling & Cecile McLorin Salvant
Piano : Sullivan Fortner

A wish

No hearts, no flowers at my door
No cards from someone I adore
And yet it seems you are the focus of my dreams
I only wish that I could be your valentine

There in the middle of my day
You smiled and took my breath away
The sun broke through the moment I set eyes on you
Oh, how I wish that I could be your valentine

The year slips silently away
Somehow I missed the chance to say
It must be clearer now than day
Though there′ll be songs and poems lovelier than mine
How much I wish that I could be your valentine